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CATÁLOGOS DE VINOS DE VILA VINITECA

Catálogo 2014-2015: BOSCO SODI
Catálogo 2013-2014: FERRAN GARCÍA SEVILLA
Catálogo 2012-2013: MOEBIUS
Catálogo 2011-2012: JOSÉ MANUEL BROTO
Catálogo 2010-2011: MILO MANARA
Catálogo 2009-2010: LUIS GORDILLO
Catálogo 2008-2009: CARMEN GALOFRÉ
Catálogo 2007-2008: JOAQUIM CHANCHO
Catálogo 2006-2007: EDUARDO ARROYO
Catálogo 2005-2006: FREDERIC AMAT
Catálogo 2004-2005: SANTI MOIX
Catálogo 2003-2004: JULIO VAQUERO
Catálogo 2002-2003: MIGUEL RASERO
Catálogo 2001-2002: JORDI LABANDA
Catálogo 2000-2001: MEDINA-CAMPENY
Catálogo 1999-2000: ROBERT LLIMÓS
Catálogo 1998-1999: ARRANZ-BRAVO
Catálogo 1997-1998: GUINOVART
Catálogo 1996-1997: FRANCESC ARTIGAU
Catálogo 1995-1996: JAVIER MARISCAL
Catálogo 1994-1995: XANO ARMENTER
Catálogo 1993-1994: JULIET POMÉS LEIZ
Catálogo 1992-1993: PERICO PASTOR


Catálogo 2014-2015: BOSCO SODI
 

"S.T., 2014" Fragmento. Técnica mixta, lacado sobre papel.


 

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“Tanto en mi obra como en el buen vino, los elementos que no controlamos marcan la diferencia”, Bosco Sodi.

Nacido en la Ciudad de México el 1970, Bosco Sodi es un artista cuya obra está fuertemente ligada a la memoria y la tradición de los grandes muralistas mejicanos, tradición que recupera y reencarna a nuestros días. Sodi explora en sus obras aquella franja en que Naturaleza y Hombre se encuentran y tratan de revelar la belleza que reside detrás de la destrucción. Partiendo de lo material y transcendiendo esta limitación, Sodi alcanza en su obras un elevado sentido de la espiritualidad.

Ha vivido en París, Barcelona y Berlín antes de instalarse en la ciudad de Nueva York, donde actualmente vive y trabaja aunque mantiene estudio en cada una de estas ciudades. Este nomadismo, sin duda, enriquece su mirada y su creación. Los materiales con lo que trabaja varían en función de las localidades, lo que acentúa todavía más la unicidad de la pieza y refuerza el vínculo entre obra y lugar de creación.

Actualmente goza de una consolidada trayectoria en el ámbito internacional. Uno de sus proyectos más destacados es la creación, en 2013, de la Fundacióm Casa Wabi. Ubicada cerca de Puerto Escondido (Oaxaca, México) y diseñada y construida por el arquitecto Tadao Ando, la Fundación trata de fomentar el intercambio entre los artistas nacionales e internacionales y las comunidades locales.


 

 

Catálogo 2013-2014: FERRAN GARCÍA SEVILLA

"Tibo 308.2". Estampa digital. 

 

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Ferran García Sevilla, Mallorca, España,1949, vive y trabaja en Barcelona. Los inicios de su carrera artística se situaron en la escena del arte conceptual catalán más provocativo y contestatario. A partir de 1978 desarrolla una obra pictórica de carácter primitivo y abstracto donde se aprecia la influencia de Miró, en su automatismo y en la utilización de signos y/o objetos flotando en superficies planas.
La evolución de su obra le ha llevado a incorporar múltiples elementos y lenguajes procedentes de diversas culturas, actuando como un coleccionista de imágenes, que suele extraer de sus viajes al Próximo Oriente.
En los últimos trabajos de García Sevilla se hace patente una mayor síntesis y mayor economía de su lenguaje pictórico, que se traduce en un uso recurrente de un número reducido de signos que ocupan y crean espacio en la pintura.
Ha expuesto su obra individualmente en numerosos museos y centros de arte internacionales como IMMA, Irish Musem of Modern Art, Dublín, Irlanda o Patio Herreriano, Valladolid (2011); IVAM, Valencia (1998); Fundació Pilar i Joan Miró, Palma de Mallorca (1997); MACBA, Barcelona (1996) y Seibu, Tokio (1989). En 2012 presentó la exposición La Teoría de la Evolución, La Evolución de la Teoría en la Galeria Joan Prats, Barcelona.
Ha participado en las exposiciones colectivas de la Colección Helga de Alvear, Cáceres (2012); Galerie Lelong, Zurich (2011); CaixaForum, Barcelona (2009); Fondation Marguerite et Aimé Maeght, Saint-Paul de Vence, Francia (2007); MACBA, Barcelona y Centro José Guerrero, Granada (2005); MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, y Bass Museum of Art, Miami Beach (2003); Pinacoteca do Estado, São Paulo y Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (2001), entre otras.
Participó en la XXIII Bienal de São Paulo (1996); en la Documenta 8, Kassel, Alemania, (1987) y realizó el Pabellón Español de la XLII Bienal de Venecia, (1986).
 

Catálogo 2012-2013: MOEBIUS

"VV 2004". Tinta china y color digital

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Para comprender la influencia de Moebius (1938, Nogent-sur-Marne - marzo 2012, París) en el cómic, deberíamos pensar en los Beatles en la música, Marlon Brandon en el cine o Pelé en el fútbol. Pues Moebius era su equivalente en el llamado noveno arte. Jean Henri Gaston Giraud, verdadero nombre de Moebius, convirtió su gran pasión, los cómics, en su razón de ser. Jean Giraud fue un virtuoso de su trabajo. Su obra es el referente por el que se miden el resto de cómics, siendo no sólo uno de los autores más importantes de Europa, sino también uno de los más impresionantes talentos del siglo XX. Su primer contacto con el western fue en Jerry Spring con Jijé de guionista, aunque fue Blueberry (1965), con guión de Jean-Michel Charlier, el que le situó en un lugar destacado en el panorama del cómic europeo. Comienza a trabajar para la revista Hara-kiri bajo el seudónimo de Moebius. Así, mientras Jean Giraud seguía retratando la dureza del Far West con un grafismo de marcado contraste de luces y sombras, Moebius se adentraría en las profundidades insondables de lo fantástico, obsesionado por el juego de matices que permitían las tramas manuales. Creó así su nueva identidad. Para separar esta doble personalidad, en los setenta Giraud, junto a otros autores, funda el grupo Les Humanoïdes Associés. Juntos crean la revista Métal Hurlant, publicación en la que Moebius experimenta con la composición, temática e incluso con los colores. En 1992, de nuevo con Jodorowsky, dibuja los tres volúmenes de El corazón coronado. Ya solo como guionista, escribe Cristal Moteur para Marc Bati y un remake de Little Nemo (otros tres álbumes) para Bruno Marchand. Gran admirador de los manga, ha sido asimismo uno de los primerísimos autores europeos en penetrar en el mercado japonés al guionizar Icaro en 1986 con dibujos de Jirô Tanguchi. Gran apasionado del cine, realizó los diseños de vestuario en películas como Alien (Ridley Scott, 1979), Tron (Steven Lisberger, 1982), Blade Runner (Ridley Scott, 1982), Masters del universo (Gary Goddard, 1986), Willow (Ron Howard, 1987), The Abyss (James Cameron, 1988) y El quinto elemento (Luc Besson, 1997), entre otras. Por su parte George Lucas utilizó uno de sus diseños para la Imperial Probe Droid en Star Wars Episodio V: El Imperio Contraataca (1980). En los últimos años, además de hacerse cargo del tomo 18 de XIII (La versión irlandesa), Jean Giraud se dedicó a completar Inside Moebius, un onírico viaje por los pensamientos de autor y a la vez un diario autobiográfico en viñetas en el que explica su obra y sus obsesiones creativas, y en donde explora nuevos límites del lenguaje del cómic. Esta obra se convirtió en el legado póstumo de un autor irrepetible, un innovador del género y uno de los mayores genios del cómic de todos los tiempos.

 

Catálogo 2011-2012: JOSÉ MANUEL BROTO

"VV2012". Pintura acrílica sobre papel

“Quizás el vino, como el arte, son prescindibles pero sin ellos el mundo sería catastrófico.”

José Manuel Broto (1949, Zaragoza) es uno de los artistas españoles con más prestigio internacional, cuya obra se inscribe en la corriente denominada Neo-abstracción de la década de 1970. En 1995 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1972 se instala en Barcelona. Miembro del grupo Trama, integrado por Javier Rubio, Xavier Grau y Gonzalo Tena, realiza su presentación en 1976 en la Galería Maeght de Barcelona, contando con el apoyo de Antoni Tàpies y edita una revista, también llamada Trama. La Neo-abstracción practicada por Broto se vió influida en su génesis por los principios estéticos y plásticos del grupo francés Support(s)-Surface(s). Su producción evoluciona desde la década de 1970, época en que produce obras informalistas de tono minimal y evoluciona hacia una abstracción gestual o lírica. Ésta combina las formas abstractas con referencias formales a objetos geométricos, organicistas o signos tomados de otros lenguajes como las matemáticas, la música o la escritura, especialmente desde 1985 en adelante. Su informalismo va unido a la revalorización del color, con fines expresivos y emotivos, así como del gesto, siendo fruto de una reflexión poética y metafísica. En sus obras son frecuentes los contrapuntos y tensiones entre campos cromáticos y formas. Recibe influencias del expresionismo abstracto americano, de Cézanne y el cubismo. Afincado en París desde hace más de 15 años, su obra ha ido evolucionando hacia una abstracción más depurada.

Esta biografía no está actualizada y data de finales de 2011.

 

Catálogo 2010-2011: MILO MANARA

"In Vino Veritas. E la Vertà è nuda..." 2010. Acuarela

El historietista italiano Maurilio Manara (1945, Luson, provincia de Bolzano), es uno de los maestros indiscutibles del cómic erótico.
Aunque su vocación inicial fue la de pintor enseguida descubrió el mundo del cómic. Durante sus estudios de arquitectura en la Universidad de Venecia, en 1968 publicó su primer cómic, “Genius”, una combinación de género negro y erotismo publicada en formato de bolsillo. En 1972 dibujó la serie “Jolanda de Almaviva” y paralelamente realizó carteles y otros trabajos gráficos para agrupaciones políticas. En 1979 publicó en la revista À Suivre su primera obra como único autor, “H.P.”, primera entrega de “Las aventuras de Giuseppe Bergman”, en la que rendía homenaje a Hugo Pratt. Además hizo vivir a Giuseppe Bergman nuevas hazañas en los álbumes “Tal vez soñar”, “Aventuras africanas” y “Camino oculto”. En 1983 presenció asimismo el debut de su obra más célebre, “El Click”, que lo encumbró como uno de los grandes autores de cómic erótico. Dentro del mismo género, Manara lanzó sucesivamente “El perfume de lo invisible” —del que existe la secuela “Desnuda por la ciudad” y una adaptación animada—, “Cámara indiscreta”, “Gulliveriana”, “Kamasutra”, “La metamorfosis de Lucio”, “El arte del azote”, “Cita fatal” y “WWW”. En una línea más satírica en el año 2000 publica “Revolución” que es una crítica a los poderes de las cadenas televisivas. Recientemente ha vuelto al erotismo, combinándolo con la ciencia ficción, en “Piranesi: el planeta prisión”.
Su obra más reciente es la saga de los Borgia, basada en la novela de Mario Puzo —autor de El Padrino— y textos de Alejandro Jodorowsky.
Manara ha colaborado también con Federico Fellini, para el que realizó carteles de algunas de sus películas y la versión en historieta de dos guiones suyos que no llegó a llevar al cine: “Viaje a Tulum” y “El viaje de G. Mastorna”. Para el también cineasta Pedro Almodóvar ilustró su novela “Fuego en las entrañas”.

Esta biografía no está actualizada y data de finales de 2010.

 

Catálogo 2009-2010: LUIS GORDILLO

 "s/t" 2009. Collage sobre papel

 

El artista nos ilustra con esta cita de Lord Byron para hablarnos el mundo del vino:

“Tengamos vino, mujeres, risa y alegría...
pues ya vendrán el sifón y las homilías”."

Luis Gordillo (Sevilla, 1934) es uno de los artistas más relevantes del arte contemporáneo español. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos a lo largo de su extensa trayectoria, entre los que destaca: el Premio Nacional de Artes Plásticas (1982), la Medalla de Oro de las Bellas Artes (1996), y recientemente el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2007); el mismo año tiene lugar la exposición Iceberg Tropical (Luis Gordillo: Antológica 1959-2007), presentada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (MNCARS).
Contemporáneo de los informalistas españoles de la década de 1950, Luis Gordillo, sin embargo, está considerado como el pionero de una de las tendencias más significativas de la España de los años setenta, la figuración madrileña. En las décadas de 1980 y 1990, su obra se sitúa a medio camino entre la figuración anterior y las nuevas fórmulas de la abstracción posmoderna. En su obra prima la idea de proceso abierto, desarrolla variaciones progresivas atendiendo a su peculiar sintaxis y rompe la unidad del cuadro transformándolo en una multiplicidad. Actualmente su obra sigue centrada en la abstracción, con una óptica muy personal y desvinculada del contexto general.

Esta biografía no está actualizada y data de finales de 2009.

 

Catálogo 2008-2009: CARMEN GALOFRÉ

«Essències» 2008. Óleo sobre tela

"Siempre me he sentido seducida por las transformaciones: la leche en queso, el trigo en pan, el aceite en pintura, el mosto en vino... la transmutación de los elementos; la alquimia en definitiva. El vino está tan arraigado en nuestras vidas que lo encontramos en los rituales más sagrados como símbolo de esa transformación o transustanciación. De lo terrenal en lo divino, de lo material en sustancia espiritual, como en los más profanos para hermanarnos a través de un brindis. ¿Acaso podemos imaginar una fi esta, un convite, una celebración o una buena comida sin vino? ¡Qué extraordinaria sustancia para descorchar el subconsciente entre amigos, y que tomada en exceso acaba con insultos al clero y cantos regionales! Puedo prescindir de muchas cosas, pero me cuesta imaginar una causa por la que tuviera que renunciar al placer de saborear un buen vino. No hay nada que pueda sustituirlo ni nada que se le parezca. Propongo un brindis por la vida y que nunca falte un buen vino para regarla."

Carmen Galofré nace en Rochester (Minnesota, USA). Pasa su primera infancia en los Estados Unidos. Inicia el camino del arte ya en Barcelona en la Escuela Massana y en la Facultad de Bellas Artes. En 1985 recibe la Medalla de Oro de la Beca de Pinturas de Paisaje (Segovia), y en 1987 el Premio Talentos España de la Sala Parés (Barcelona). Desde inicios de los años ochenta realiza numerosas exposiciones individuales y colectivas en España y en el extranjero. Cabe destacar su última muestra individual en la Sala Parés de Barcelona en 2007, titulada “Paisajes y Esencias”. Combina su trabajo como pintora con la dedicación a la docencia y la colaboración en diversas actividades culturales. Su obra se centra en investigar encuadramientos, ambientar luces y temas nuevos, esfuerzo que confi ere una gran frescura a su pintura.

Esta biografía no está actualizada y data de finales de 2008.

 

Catálogo 2007-2008: JOAQUIM CHANCHO

«Pintura 910» 2007. Óleo sobre tela

"Hace algunos años encontré en una bodega de una masía del Alt Camp en ruinas dos cuerdas enrolladas en un par de palos de madera. La herramienta servía para trazar líneas rectas sobre la tierra. Una vez tendida la cuerda, se plantaban las cepas a una distancia adecuada para que posteriormente toda la viña tuviera la armonía necesaria para un buen cultivo. Conservo aún la cuerda en el estudio, y a veces se me hace vivo su uso. La distancia entre cepa y cepa, la medida, el orden, el espacio, la retícula que se adapta a los accidentes del terreno y a los límites de la superficie. Situaciones que también se producen en el día a día de mi trabajo pictórico."

Joaquim Chancho nace en Riudoms (Tarragona) el año 1943. Estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes Sant Jordi de Barcelona. El año 1973 obtiene una beca de la Fundación Juan March de Madrid. Primer Premio de Pintura en la Bienal de la Diputación de Tarragona, en 1987. La Fundación Vila Casas de Barcelona le concede en 2007 el Premio a su trayectoria. A partir de 1966, cuando realiza la primera exposición individual en el Centre de Lectura de Reus, ha realizado más de sesenta exposiciones individuales por Europa y Estados Unidos. Cabe destacar las exposiciones retrospectivas «Políptics» en el Museo de Arte Moderno de Tarragona; «Tempo 1995-1998» Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; «Tiempo sobre Tiempo 1997-2003» Centro de Arte Caja de Burgos, Burgos. «Prospectiva 1973-2003» Centre Metropolità Tecla Sala en L’Hospitalet, y Fundación Caixa de Tarragona, Tarragona. «Joaquim Chancho: 35 anys de dibuixos i pintures» Museo de Montserrat. Participa en diversas exposiciones colectivas, siendo la más reciente en julio de este año: «Barcelone  1947-2007» en la Fundación Maeght de Saint Paul de Vence, Francia. Está considerado uno de los pintores catalanes actuales más importantes, representado en reconocidas colecciones públicas y privadas. Es doctor en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y catedrático de Pintura por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.

Esta biografía no está actualizada y data de finales de 2007.

 

Catálogo 2006-2007: EDUARDO ARROYO

"Vino Veritas" 2006. Óleo sobre tela

"En varias ocasiones los cosecheros, sea en Francia y en Italia, y cómo no también en España han querido asociarmea sus sueños y esperanzas pidiéndome que les dibujara etiquetas para sus caldos. Siempre he accedido y de ello nome arrepiento. Al contrario, el contacto con el vino es siempre alegre y gratificante.Muchos de estos viticultores han querido que los pintores acompañen a sus vinos y son encargos éstos llenos deresponsabilidad porque queremos que esta alianza sea fructífera y que el vino que está detrás de la etiqueta seaexcelente y apreciado.Casi siempre he representado en las etiquetas a mujeres alegres y ruborizadas. La vid, la uva y también el racimo."

Pintor, escultor, escenógrafo y escritor, Eduardo Arroyo es uno de los grandes artistas españoles de la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Madrid en 1937 y exiliado en París durante años, en 1982 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas Ese mismo año el Centro Georges Pompidou de París le dedicó una gran retrospectiva, al igual que el Museo NacionalCentro de Arte Reina Sofía de Madrid en 1998. Su obra, profundamente literaria y autobiográfica, burlona y tragicómica, así como sus alegorías al papel del pintor en la sociedad y las condiciones del intelectual exiliado, han hecho de este artista un punto de referencia obligado para cualquier amante del arte contemporáneo. Eduardo Arroyo está considerado uno de los más importantes representantes del arte pop en España, estilo que le ha servido para reflexionar de manera irónica y a la vez crítica sobre la realidad del país a partir de su historia social, cultural y política. Además de prolífico escritor, con ensayos sobre temas tan diversos como el arte o el boxeo, ha realizado también importantes escenografías en colaboración con prestigiosos directores de escena. Ha expuesto de forma individual en las galerías más prestigiosas del mundo, desde París, Barcelona, Londres, Venecia, Nueva York, Milán, Amsterdam, Madrid, Roma y Múnich, así como en múltiples exposiciones colectivas, como el Salon de la Jeune Peinture du Musée d’Art Moderne de París en sus ediciones del 1960 al 1967, la Bienal de París (1963,1967,1978), ARCO en Madrid (95, 01,02, 03, 05, 06) o el ART Chicago (01,02,03). Sus obras forman parte de reconocidas colecciones públicas del MACBA (Barcelona), la Galleria degli Ufizzi (Florencia), Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Guggenheim Museum (Nueva York), Centro Georges Pompidou o el Musée d’Art Moderne de París. En su faceta de decorador teatral ha diseñado recientemente la escenografía de Desde la casa de los muertos (2005), Boris Godunov y Doctor Faust (2006) con puesta en escena de Klaus Michael Grÿber.

Esta biografía no está actualizada y data de finales de 2006.

 

Catálogo 2005-2006: FREDERIC AMAT

Sin título 2005. Acrílico

"La propia historia del Mediterráneo no deja de ser la memoria de un mar de vino.Desde tiempos remotos, la humanidad ha celebrado la vid como planta sagrada rindiendo culto a las divinidades quepolarizan, alrededor de su figura, los aspectos eufóricos del vino. Así fue en Grecia con el hijo de Zeus, Dionisos, o mástarde en Roma con Baco como dios de la viña, del vino y del delirio místico. Poetas, artistas y artesanos hanrepresentado esta divinidad mitológica, coronada de pámpanos, como tema y manera de festejar la vida.Pienso ahora en la pintura de “El triunfo de Baco“ de Velázquez que está en el Museo del Prado y por un instante sehace presente la fascinante y divertida mirada de complicidad del personaje central del cuadro, que nos invita acelebrar el vino y la vid. Es decir, la vida."

La dedicación de Frederic Amat a la pintura no le impide explorar otros horizontes, moverse con insaciable curiosidadpor la vida, la geografía y las diferentes expresiones artísticas. Su obra plástica conlleva la huella de África del norte,de México, de Nueva York, la India.... La retrospectiva más importante de su producción se presentó en el MuseoRufino Tamayo en México D.F., La Fundación Joan Miró , en Barcelona y el Instituto de América en Santa Fe, Granada(1993-94). Ha expuesto sus trabajos en París (1976) Milán (1980) Bonn (1981) Berlín (1982) San Francisco (1988)y Nueva York (1984-85, 87, 1991-92, 2004).  Entre 1996 y 1998 se han podido ver exposiciones de sus cerámicas ysus carteles. Ha creado también espacios escénicos para teatro y danza, colaborando en los montajes de - entre otros-“El público” de F. García Lorca (con Fabià Puigserver, 1986) “Tirano Banderas”, de Valle-Inclán (1992) y “Tot esperantGodot”, de Beckett (1999) dirigido por Lluís Pasqual y ha dirigido junto a Cesc Gelabert el espectáculo “Zum-zum-ka”presentado el año 1998 en el 48 Festival de Música y Danza de Granada. Ha dirigido la película “Viaje a la luna” (1998)con guión de Federico García Lorca y “Foc al Càntir” (2000) con guión cinematográfico del poeta Joan Brossa y el film“Deu dits“(2004). Con motivo del cincuentenario de Festival de Música y Danza de Granada (2001), se presentó, bajosu dirección y espacio escénico, la ópera de I.Stravinsky y J.Cocteau "Oedipus Rex”. En los últimos años ha trabajadodiferentes proyectos murales: “Mural de les Olles” (2001), “Mural Pits de Gallifa” (2002) y vidriera “Bestial” (2002).

Esta biografía no está actualizada y data de finales de 2005.

 

Catálogo 2004-2005: SANTI MOIX

"El cep" 2004. Collage sobre papel con enamel painting y carbón

"Ha sido fantástico trabajar sobre el tema del vino, de hecho he insistido más en la idea de la viña y del raspón. El taller huele a viña y a mosquitas."

Nacido en Barcelona en el año 1960, Santi Moix vive y trabaja en Nueva York desde 1986.
Moix no concibe su trabajo artístico sin la influencia de la tierra, por eso, su obra pictórica se refiere a ella muy a menudo, especialmente a la rapa, el ramo de la uva, un elemento que repite constantemente en sus cuadros. El motivo de esta reiteración debe buscarse en sus recuerdos infantiles, cuando veraneaba en la Conca de Barberà y elaboraba vino. Así se pone de manifiesto en el collage que ilustra este catálogo, hecho sobre papel con enamel painting y carbón.
Desde 1984, la obra de Santi Moix se ha mostrado a un lado y a otro del Atlántico. La Yokoyama Gallery de Tokyo, el Musée de l’ Hippodrome de Lille (Francia) y la galería Masha Prieto de Madrid han sido el escenario de algunas de sus exposiciones individuales. El Museo de Arte Moderna de Sao Paulo, la Kohn Turner Gallery de Los Angeles y el espacio de Anne Faggionato de Londres han acogido muestras conjuntas de Moix con otros artistas. Pero existen dos ciudades donde su arte se ha exhibido de forma especial en la última década: Barcelona, que lo vio nacer, y Nueva York, donde tiene establecidos taller y residencia. En la barcelonesa Galeria dels Àngels, las obras de Santi Moix son habituales, ya sea en exposiciones individuales, como la reciente “Allien Resident” (2003), o compartidas con otros autores (1998). Aún con más frecuencia, la Paul Kasmin Gallery, que lo representa en la Gran Manzana, acoge los trabajos individuales del pintor barcelonés como “The Pontoon Paintings” y colectivos como “Summer 2001”, ambas de 2001. En el año 2002, recibió una de les becas John Simon Guggenheim Memorial Foundation que la entidad del mismo nombre otorga a profesionales avanzados en diversos campos para que amplíen su desarrollo intelectual. Este hecho le permitió concentrarse en la investigación de nuevas técnicas, tanto de escultura como de grabado y cerámica. Y uno de los frutos de su trabajo fue el conjunto de terracotas que expuso el año siguiente en la galeria Cyprus Art de Sant Feliu de Boada (Girona). Este año, ha presentado en la Paul Kasmin Gallery su última obra “Promenade: New Paintings” que recoge por primera vez sus esculturas en yeso.

Esta biografía no está actualizada y data de finales de 2004.

 

Catálogo 2003-2004: JULIO VAQUERO

"Cajas metálicas" 2003. Lápiz graso y lavados sobre papel vegetal

Catálogo 1995-1996 JAVIER MARISCAL

Sin título 1995

"Me llamo Javier y también Mariscal. Mi abuelo materno, Federico Mariscal, era de Zaragoza; mi mamá también. Mi papá de Castellón. Éramos once hermanos y en el año 2000 tendré cincuenta años.
Mientras desde Barcelona, Valencia o Mallorca o Formentera dibujo lo que veo. No se imaginarme nada que no sea bonito. Me encanta merendar, sobre todo en verano, pan tomaca, olivas negras, queso blanco, vino tinto. En España tenemos la suerte de que haya gente que sepa hacer buenos vinos: blancos, tintos, y de los coloraetes, los rosaos, moscateles y mil cosas más.
Yo pinto, dibujo y sobre todo soy como un médico. Cada día viene alguien a mi estudio con un problema de comunicación. Un cliente, un paciente quiere comunicar algo, lo hablamos, lo escribimos y luego con la gente del estudio elaboramos algo visual, con colores, líneas y letras y solucionamos gráficamente el problema del cliente, se va contento y todo el mundo entiende lo que quería comunicar.
Si quieres comunicar, nosotros tenemos un teléfono y un fax y también Internet y nunca comunicamos. Llámanos y nos lo montamos."

 

Catálogo 1994-1995 XANO ARMENTER

Sin título 1994

Xano Armenter nace en Las Palmas de Gran Canaria en 1956. Hijo de familia catalana, pasa su infancia en Balaguer, la tierra de sus padres, y hace el Bachillerato en Vigo.
Estudia arte en la escuela Eina de Barcelona y se va a Nueva York donde pasa la década de los ochenta. Actualmente vive en Hollywood, Los Ángeles.
Si tiene que escoger entre pintar un buen plato de pitanza con un buen vino, o comérselo, elige lo último, aunque después no le molesta pintar algo que de alguna forma juegue con la memoria de los hechos.

 

Catálogo 1993-1994 JULlET POMÉS LEIZ

Sin título 1993

"Juliet Pomés Leiz nació en Barcelona el 27 de junio de 1963 en el seno de una familia de amantes de la cocina y del buen comer. Sus habilidades para el dibujo se manifestaron muy pronto, pero fue bastantes años más tarde cuando se dio cuenta de que el amor que se le había inculcado para la buena comida también se reflejaba en sus pinturas. Incluso muchas de éstas han estado y están realizadas en la cocina, donde se encuentra mejor que en ningún otro sitio, envuelta de materias primas sugerentes y objetos y utensilios de lo más amable y evocador."

 

Catálogo 1992-1993 PERICO PASTOR

Sin título 1992

Perico Pastor nace en La Seu d'Urgell (Lleida) el 29 de enero de 1953. Enseguida le gustó comer y, poco después, empezó a dibujar.
Mucho antes de la edad legal ya sabía disfrutar de un Rioja o de un buen Priorat.
Ahora es un cocinero pasable, bebedor agradecido y educado, y pintor natural. Ha comido, bebido y expuesto en Barcelona, París, Olot, Tokio, L'Hospitalet, Madrid, Gandia, Girona, Hong Kong y La Seu d'Urgell.

Esta biografia no está actualizada y data de finales de 1992.